Jazz-funk

Más de un año sin escribir en el post... Año complicado sin poder buscar un momentito para compartir grupos y músicos interesantes. Vamos a retomar el tema con mucho ritmo. Hoy hablaremos del Jazz-funk; una buena forma de acercarse al jazz.

Se trata de un subgénero que se encuentra a medio camino entre el jazz y el funk, soul y R&B. Su fuerte carga rítmica y melodías repetitivas y pegadizas hace que sea una puerta de entrada divertida al mundo del jazz.

El ejemplo de hoy es un grupo relativamente veterano, Soulive. Trío neoyorquino con órgano Hammond, como no podría ser de otra forma, al que habitualmente se le unen secciones de metal, saxo y voz. Elegimos uno de sus primeros de temas de estudio, "Rudy's Way" de su álbum Get Down!.

Arranque en solo de la batería introduciendo el groove que será el patrón rítmico de todo el tema. El tema es introducido al unísono por guitarra y Hammond. Le sigue solo de guitarra, con un aire muy funky con órgano en comping. Segundo solo a cargo del Hammond un poco más bopero. Por último, sólo de batería y repetición final del tema al conjunto. A disfrutar.

Tema: "Rudy's Way"

Álbum: Get Down! (1999)

Eric Krasno - guitarra

Neal Evans - Hammond B3

Alan Evans - percusión

Jazz Christmas Songs

Se acerca la Navidad y cómo no, voy a compartir con vosotros un villancico, pero un poco especial. Vamos a darle un toque jazz. Se trata del archiconocido "Santa Claus Is Coming To Town", tema compuesto en 1932 por John Frederick Coots y Haven Gillespie.

La versión que vamos a escuchar es la de Walter Weeman y su Big Band. Tranquilos, que estamos de fiesta y no os voy a dar la chapa. Sólo comentar que la canción original se ha transformado ligeramente, para darle mucho swing y sobre todo, un toque sensual y canalla. La intro parece sacada de un striptease!!! Y ya no digo más, a disfrutar!!!

Feliz Navidad - Gabon Zoriontsuak

Tema: "Santa Claus Is Coming To Town" (1932)

Álbum: A Swinging Big Band Christmas, Walter Weeman's Brass & Singers (2007)

Copla Jazz

Pues sí, también hay ejemplos soberbios de fusión de la copla con el jazz. En mi opinión, son 2 generos que "maridan" bien, sobre todo en su versión más minimalista de voz más trío clásico de piano, bajo y batería.

Hoy el ejemplo es de Martirio, aquélla que revolucionó la copla en los 80 con aquel look tan particular de peineta y gafas de sol. Consiguió en aquella época rescatar el género de las connotaciones de afinidad con el régimen y lo actualizó. En clave de fusión jazz tiene unos cuantos discos remarcables (Acoplados y Coplas de Madrugá, con Chano Domínguez y Primavera en Nueva York, de boleros).

Me quedo esta vez con el tema "Torre de Arena" del álbum Coplas de Madrugá (aun cuando todos los allí incluidos son altamente recomendables), con tres monstruos del jazz nacional, Chano Domínguez, Javier Colina y Guillermo McGill. Forma típica de copla pero con armonización flamenco-jazz. Una maravilla.

Tema: "Torre de Arena", Manuel Gordillo (1956)

Álbum: Coplas de Madrugá (1997)

Martirio - voz

Chano Domínguez - piano

Javier Colina - contrabajo

Guillermo McGill - percusión

Disney y Jazz

Grandes temas de las películas de Walt Disney, especialmente las de la época clásica, han sido un verdadero filón para los músicos de jazz y muchos de ellos se han convertido en standards. En muchos de los casos, tanto las líneas melódicas como el desarrollo armónico original, se adaptan perfectamente al tratamiento jazz. El resultado final de la fusión, con muy pocos cambios, suele ser en general espectacular.

Además, este tipo de standards son muy adecuados para la iniciación al jazz, ya que son muy reconocibles y por tanto, facilitan mucho la asimilación del oyente. Iré poniendo ejemplos en próximas entradas.

Hoy comenzamos con uno de los más versioneados, "Someday My Prince Will Come" de la película Blancanieves y los siete enanitos (1937). Prácticamente no hay músico de jazz que no haya dado su propia versión de este superclásico (o varias versiones) y ello se debe en parte a que este tema no necesita apenas cambios armónicos para llevarlo al universo jazz. Esto unido a lo pegadizo del tema, lo convierten en un éxito asegurado. Ésta es la versión original de Frank Churchill, cantada por Adriana Caselotti.

Título: "Someday My Prince Will Come", Frank Churchill (1937)

Film: Snow White and the Seven Dwarfs (1937)

Dos son las versiones que más me gustan. Una de ellas es la de Miles Davis, incluida en el álbum del mismo nombre, del año 1961. Intro de Wynton Kelly al piano y presentación del tema por Miles con su inconfundible trompeta con sordina Harmon. Primer solo de Miles con mucho swing y gran línea melódica. En el segundo solo le releva el gran John Coltrane al saxo tenor. A continuación Wynton Kelly. Vuelve el tema original con el grupo al completo. Segundo solo de Coltrane, mucho más bopero (se empieza a gustar). De nuevo aparece el tema original con Miles, para finalizar con un segundo solo de Wynton Kelly a modo de coda. Belleza en estado puro.

Título: "Someday My Prince Will Come", Frank Churchill (1937)

Álbum: Someday My Prince Will Come, Miles Davis (1961)

Miles Davis - trompeta

John Coltrane - saxo tenor

Wynton Kelly - piano

Paul Chambers - contrabajo

Jimmy Cobb - percusión

La segunda versión, es una de las del gran Bill Evans, mucho más intimista y quizás más sofisticada armónicamente (esto ya es marca de la casa), incluida en el álbum Portrait in Jazz (1960). Evans arranca solo directamente con el tema, de una forma más apasionada que Miles Davis. A continuación entra el trío al completo, con el tema original (atención a la línea de bajo de Scott LaFaro, sin palabras). Primer solo de Evans, muy rico armónicamente y variaciones melódicas sorprendentes. Solo de LaFaro, virtuoso. Repetición final del tema con el trío al completo.

Título: "Someday My Prince Will Come", Frank Churchill (1937)

Álbum: Portrait in Jazz, Bill Evans Trio (1960)

Bill Evans -piano

Scott LaFaro - contrabajo

Paul Motian - percusión

Jazz para niños 2

Toda actividad necesita recambio generacional y el jazz no es ajeno a ello. Hay que crear afición, si no, el barco se nos hunde!!! Por eso repetimos entrada dedicada a los niños. Ya entonces comentábamos que cuando somos pequeños, somos muy receptivos a cualquier tipo de música, ya que no estamos "contaminados" con nada y por tanto no tenemos prejuicios.

Dicho esto, tampoco es cuestión de machacarlos con jazz experimental de supervanguardia. Simplemente con que sea divertido y tenga suficiente ritmo, les engancharemos. El objetivo es que el jazz, sus escalas, sus acordes y sus ritmos les sean familiares. Conseguido esto, cuando sean mayores Ornette Coleman les parecerá la Teresa Rabal del saxo.

Últimamente he estado escuchando muchos recopilatorios de jazz para niños y uno de ellos me ha gustado especialmente. Tiene la particularidad de que todos los cortes corresponden a temas originales que no fueron escritos especialmente para los niños y eso es bueno, ya que refuerza la idea de que si la música es buena, es apta para cualquier público. Se trata del álbum "Jazz for Kids: Sing, Clap, Wiggle & Shake" (Verve, 2004).

Hoy vamos a seleccionar el primer tema del disco, que es el que más ha gustado a mi nena mayor. Es el conocido tema infantil americano "En la vieja factoría", cantado por la gran Ella Fitzgerald, pero en clave de jazz. Espectacular versión; no voy a hacer comentarios. Sólo escuchad y disfrutad toda la familia.

Tema: "Old McDonald" (popular estadounidense)

Álbum: Whisper Not (1967)

Ella Fitzgerald - voz

Harry Edison - trompeta

Jimmy Rowles - piano

Chuck Berghofer - bajo

Louie Bellson - percusión

Marty Paich - arreglos, dirección

Bossa Nova: conexión estadounidense

Uno de los primeros posts lo dedicamos a la fusión de la música brasileña con el jazz ("La irrupción de los músicos brasileños", diciembre 2010). Ya allí hablábamos de la fuerte influencia de los músicos de jazz estadounidenses, básicamente en el plano armónico, en el desarrollo de la Bossa Nova, a partir de la samba.

Hoy vamos a poner el ejemplo de un saxofonista mítico, Cannonball Adderley. Además de formar parte de uno de los grupos más importantes de la historia del jazz, junto a Miles Davis, tuvo mucha influencia en los inicios de la Bossa Nova. El tema que presentamos, "Batida Differentes", está incluido en un disco completamente dedicado a la Bossa Nova: Cannonball's Bossa Nova (1962).

Se trata de una samba muy fresca, con intro del propio Cannonball y tema presentado al conjunto, con mucho sabor brasileño pero también con fuerte toque bopero, muy especialmente en el fraseo de Cannonball. Primer solo también de Cannonball: el ritmo de samba da un aire totalmente diferente a las típicas escalas boperas. Un segundo solo, esta vez más breve y poco más intimista, del pianista Sérgio Mendes. Exposición final del tema con el conjunto al completo.

Tema: "Batida Differentes" (Maurício Einhorn, Durval Ferreira)

Álbum: "Cannonball's Bossa Nova" (1962)

Cannonball Adderley - saxo alto

Sérgio Mendes - piano

Durval Ferreira - guitarra

Octavio Bailly, Jr. - contrabajo

Dom Um Romao - percusión

Pedro Paulo - trompeta

Paulo Moura - saxo alto

Dave Brubeck: nos abandona otro mito

El pasado mes diciembre nos dejaba una de las últimas leyendas vivas del jazz: Dave Brubeck. Un pianista con talento que supo acercar (y además con éxito) el jazz al gran público y principal representante de la corriente oeste (West Coast Jazz). Hoy, como homenaje, presentamos su tema más conocido, "Take Five", en realidad compuesto por su compañero Paul Desmond, en los años 50, durante la época en la que formaron parte del Dave Brubeck Quartet.

Se trata de un tema muy pegadizo (interpretado al saxo por el propio Desmond), cuya principal característica es el ritmo (poco corriente) de 5/4, muy marcado en todo momento por la línea armónica del piano. Esta versión corresponde a la original, incluida en el álbum "Time Out" (1959). Probablemente no sea la primera vez que lo escuchais.

Tema: "Take Five"

Álbum: "Time Out" (1959)

Dave Brubeck - piano

Paul Desmond - saxo alto

Eugene Wright - contrabajo

Joe Morello - percusión

Latin Jazz: Jerry González

Después de un largo parón, comenzamos la nueva temporada con novedades discográficas del año. Hoy nos centramos en el último trabajo del trompetista Jerry González y su banda. Nacido en New York, pero de familia cubana, se trata de un verdadero mito de la fusión del jazz con la música afrocubana. Muy conocido por estos lares por su antigua formación, "The Fort Apache Band", y muy especialmente por su participación en el film Calle 54 de Fernando Trueba (del que ya hemos hablado en algunas ocasiones).

Desde hace unos años se ha asentado en Madrid, rodeado de la "crème de la crème" del jazz en España: 2 cubanos, el excelente pianista Javier Musso "Caramelo" y el bajista Alain Pérez (que tal y como suena, parece del centro-centro de Cádiz) y Enrique Ferrer "Kiki" a la percusión.

De su nuevo disco, "Jerry González y el Comando de la Clave", extraemos el tema "Avísale a mi contrario", en el que participa como artista invitado Diego "El Cigala". Se trata de una unión perfecta entre salsa, jazz y flamenco. Toma como base un conocido son cubano "Dónde andabas anoche" (1927) de Ignacio Piñeiro, cuya primera estrofa originalmente era "Avísale a mi vecina". En los años 50 en New York, y a raíz de las rivalidades entre los entonces reyes del Latin Jazz, Tito Puente y Tito Rodríguez, este último le cambio una palabra, en clara alusión a Puente y quedó como se conoce ahora.

Presentación del tema por "El Cigala" y repetición del tema con la banda al completo a ritmo de salsa. A partir de ahora el protagonista absoluto es "El Cigala" hasta llegar al clásico "montuno" final de salsa "se acabó la confianza, tú no juegues conmigo". A disfrutar.

Tema: "Avísale a mi contrario" (1927), Ignacio Piñeiro
Álbum: Jerry González y el Comando de la Clave" (2011)

Jerry Gonzalez - trompeta, fliscorno y congas
Javier Massó "Caramelo" - piano
Alain Pérez - bajo y voz
Kiki Ferrer - percusión
Alberto "Chele" Cobo - clave
Diego "El Cigala" - voz
Israel Suárez "Piraña" - cajón

El sonido "Jazz Loft"

Desde mediados de los 50 hasta mediados de los 60, un edificio de Manhattan abandonado durante años, en un estado deplorable, sin luz ni agua corriente, va a convertirse en poco tiempo en el lugar de referencia de la escena "underground" de New York y en especial de los músicos de jazz. En cierta medida se trataba de un movimiento "okupa".

Por allí pasaría todo lo mejorcito del jazz en su momento: Monk, Pepper Adams, Mingus, Miles Davis, Art Blakey, Bill Evans, Sonny Rollins, etc.... Lugar de encuentro y ensayo, donde las improvisadas "jam sessions" podrían ser interminables.

Pondremos un ejemplo de lo que por ahí podría escucharse en aquellos días. Se trata de un tema interpretado por el octeto de Bob Brookmeyer, una versión sensacional del standard de Jelly Roll Morton, "King Porter Stomp" (1905). Mantiene muy vivo el aire "dixieland" del tema pero con un tratamiento muy bopero: sonido Jazz Loft.

El tema es presentado por el piano, al igual que en la pieza original de Morton. Solo de saxo tenor, seguido de un segundo solo de trombón del propio Brookmeyer (trombón de pistones, muy poco habitual). El octeto al completo introduce un segundo tema. De nuevo, el saxo tenor arranca con la primera variación. Le sigue la trompeta en la segunda variación con unos sobreagudos logradísimos y un sonido limpísimo (Harry Edison es una verdadera máquina). De nuevo todos juntos acaban el tema.

Tema: "King Porter Stomp"

Bob Brookmeyer Octet

New York, 27 de diciembre de 1958

Harry Edison - trompeta

Bob Brookmeyer - trombón a pistones

Zoot Sims - saxo tenor

Al Cohn - saxo tenor

Hank Jones - piano

Freddie Green - guitarra eléctrica

Eddie Jones - contrabajo

Charlie Persip - percusión

Grandes damas del Jazz: Sarah Vaughan

Segundo post que dedicamos a la leyendas de la voz femenina en el jazz. Esta vez le toca el turno a Sarah Vaughan, figura indiscutible del scat, esa forma de improvisación vocal con frases sin sentido que todos hemos oído alguna vez. Voz perfecta de una tesitura amplísima.

Como ejemplo, vamos a tomar un standard muy conocido, "Lullaby of Birdland" del compositor George Shearing (1952). Esta tema fue dedicado a Charlie Parker ("Bird") y al club donde habitualmente tocaba y que tras su muerte pasó a llamarse Birdland Jazz Club. Muchos fueron los intérpretes que la versionearon (Sinatra, Ella, Mel Tormé, hasta Amy Winehouse), pero sin duda, para mi gusto, esta es la mejor.

Este tema le viene al dedillo a Sarah Vaughan, ya que tiene una tesitura exigente, pasando desde profundos graves a agudos, en una misma frase. Sarah presenta el tema, seguido de un solo de piano, otro de contrabajo, otro de batería a palo seco, una sección de scat de Sarah acompañada de flauta, saxo tenor y trompeta (con Clifford Brown, uno de los grandes del Hard Bop) y repetición final del tema.

Tema: "Lullaby of Birdland"

Álbum: Sarah Vaughan With Clifford Brown (1954)

Sarah Vaughan - voz

Joe Benjamin - contrabajo

Clifford Brown - trompeta

Roy Haynes - percusión

Jimmy Jones - piano
Herbie Mann - flauta

Paul Quinichette - saxo tenor

Burlesque y Jazz

El jazz tiene muchas facetas y ya hemos comentado en más de una ocasión, que su lado más canalla es perfecto para transmitir erotismo. Hoy vamos a presentar el tema erótico por excelencia: "The Stripper" (1962), compuesta por David Rose.

Es un tema que evoca la época dorada del burlesque americano, aunque se compuso mucho más tarde. Fue un éxito rotundo en su momento y se convirtió en el icono musical del striptease a partir de ese momento, formando parte de la banda sonora de multitud de películas.

Clásico blues dixieland con una orquesta muy completa, en la que el tema se caracteriza sobre todo por las líneas melódicas descarnadas de los trombones, el toque erótico total (en ese sentido le roba ese protagonismo al saxo tenor). Dos pequeños desarrollos con la orquesta completa, en la que domina claramente la sección de metal y repetición final del tema.

Tema: "The Stripper" (1962)
David Rose & His Orchestra

Música árabe y Jazz

Hemos comentado multitud de veces, que si algo define el jazz es su capacidad de fusión con cualquier tipo de música. De hecho su origen es ese: la hibridación en un primer momento de la música europea y africana. Muy conocidos son los ejemplos de la fusión latina y brasileña, pero aunque casi nada conocida, también existe la conexión árabe.

Al jazz no le importa la lejanían o cercanía de la fusión; se busca siempre el enriquecimiento con nuevas sonoridades, texturas o matices. En este caso, la lejanía entre ambos mundos es especialmente grande. Hasta ahora no nos hemos salido del sistema temperado occidental, los doce sonidos de los que ya hemos hablado en alguna otra ocasión. Entramos en el mundo de la música árabe y sus cuartos de tono, algo totalmente ajeno a nuestros oídos; de hecho nos suena como "desafinado". La música occidental tiene su división más pequeña en el semitono, pero la tradición árabe es capaz de llegar a dividir este semitono una vez más y trabajan por tanto con 24 notas.

Evidentemente su sistema modal es totalmente diferente al nuestro: las escalas "maqam" (existen más de setenta escalas heptatónicas). El maqam también es una herramienta de improvisación y aquí encontramos el gran punto de encuentro con el jazz y sus escalas.

Todo esto me lo encontré casualmente por medio de un trompetista libanés afincado en Francia, Ibrahim Maalouf, hijo del también trompetista Nassim Maalouf, inventor de la trompeta a cuartos de tono (tiene un cuarto pistón que permite bajar un cuarto de tono) y a su vez alumno del gran Maurice André, el gran maestro de la trompeta piccolo barroca. Así como su padre, se centró más en el desarrollo de la trompeta siendo muy fiel a la tradición árabe, Ibrahim ha mezclado esta tradición con toda las corrientes musicales occidentales, el jazz incluido.

El resultado es muy peculiar; la verdad es que jamás he escuchado algo parecido. En youtube podéis escuchar mucho de él. He elegido un tema especialmente "hibridado", se trata de un directo en París, titulado "Harlem" (2009). El tema lo presenta Ibrahim con el grupo al completo; se trata de un tema en dos partes, la primera de ellas basado en escalas "maqam" (no me digáis cuáles, porque no tengo ni idea; es un mundo desconocido para mí) y una segunda, más occidental. La primera variación también la ataca él mismo, esta vez con escalas árabes "a machete" y sin concesiones. Segunda variación a cargo del piano, esta vez con escalas bebop clásicas. Una tercera sección para lucimiento del batería y vuelta al tema principal todos juntos.

Tema: "Harlem" (2009)
Álbum: Diachronism

Ibrahim Maalouf - trompeta a cuartos de tono
Nenad Gajin - guitarra
Eric Groleau - percusión
Ben Moulinard -bajo
Frank Woeste - piano Rhodes

El Hard Bop

A mediados de los años 50, nace una nueva corriente de jazz, de la mano de la comunidad afroamericana. Consideraban que el Be Bop de la década anterior había, de alguna manera, traicionado con el paso de los años, el alma primigenia del jazz, "europeizandose" y haciendose más "blanca". Como reacción, los músicos negros dieron al Be Bop un toque más "blues"; volvieron a sus orígenes y crearon el Hard Bop. Las características propias del Be Bop se mantuvieron (fraseos endiablados, lucimiento del solista), pero tocando un poco el fondo y el tratamiento de los temas.

Hoy vamos a presentar un standard muy conocido del Hard Bop, interpretado por varios de sus protagonistas más importantes, Horace Silver and The Jazz Messengers, con el mítico Art Blakey a la percusión. Se trata del blues "Doodlin'" (1954), compuesto por el propio pianista Horace Silver. Es un blues realtivamente rápido, presentado por el grupo al completo, muy pegadizo y fácil de escuchar. Primera variación a cargo de Horacio, seguida del saxo tenor de Hank Mobley, Kenny Dorham a la trompeta con unos sobreagudos muy limpios, Art Blakey con los palos y finalizando de nuevo el grupo al completo.

Tema: "Doodlin'"
Álbum: Horace Silver and The Jazz Messengers (1954)

Horace Silver - piano
Kenny Dorham - trompeta
Hank Mobley - saxo tenor
Doug Watkins - contrabajo
Art Blakey - percusión

Grandes compositores: Cole Porter

Durante la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos, coincidiendo con el desarrollo de los musicales en el cine y los espectáculos de Broadway, se crearon una infinidad de temas interesantísimos que perduraron en el tiempo y que conformaron una colección de canciones que serían repetidas y "versionadas" posteriormente por los músicos de jazz. Esto es precisamente lo que en muchas ocasiones hemos mencionado en este blog como "standards".

Algunos de estos compositores clásicos de la época fueron muy prolíficos en la elaboración de standards, hasta tal punto que cuentan con su propio "songbook". Podemos destacar entre ellos a Irving Berlin, Duke Ellington, George e Ira Gershwin, Arthur Schwartz, Howard Dietz o Victor Young. Muchas de sus composiciones ya se han mencionado en este blog.

Hoy vamos a centrarnos en uno de ellos, Cole Porter. Su lista de "standards" es interminable y estoy seguro de que cualquiera de nosotros ha oído más de uno de sus temas. Su música fue repetida y reinterpretada por multitud de músicos de jazz y en especial por cantantes como Frank Sinatra o Ella Fitzgerald.

El ejemplo propuesto es "Anything goes" del musical del mismo nombre, compuesto en 1934. Hay infinitas versiones y hoy nos quedamos con dos: la de Frank Sinatra y una realmente curiosa, la de la actriz Kate Capshow, en el inicio de la película "Indiana Jones y el templo maldito" (1984), cantada en chino (de hecho es de los mejores recuerdos que tengo de esta película; se me quedó grabado el número). La canción es muy sencilla y pegadiza, con muy poco que comentar. Se trata de un tema principal (A) y uno secundario (B), que siguen una secuencia ABA.

Tema: "Anything goes" (1934), Cole Porter

Versión de Frank Sinatra

"Indiana Jones and the Temple of Doom" (1984), Steven Spielberg

Versión de Kate Capshow, en chino

El acordeón y el jazz

El acordeón fue el primer instrumento que aprendí a tocar y también el que más he tocado. Le tengo mucho cariño, aunque últimamente le tenga un poco olvidado. Por ello vamos a dedicarle el post de hoy.

Pocos son los acordeonistas que se han acercado al jazz. Quizás el más conocido sea el gran Richard Galliano. El mes pasado, repasando una lista recomendada de acordeonistas y álbumes de jazz, di con uno que no había oído en mi vida: Marc Berthoumieux, un francés de Alta Saboya. Escuché varios de sus discos y me sorprendió bastante la sonoridad que saca. Tiene una influencia Pat Metheny muy marcada, pero tocando el acordeón!!! La verdad que la mezcla es curiosa.

Al margen de Spotify, lo poco que se puede encontrar en internet, es el directo de uno de sus temas más famosos: "Les Couleurs d'Ici"(1998), composición original incluida en el álbum del mismo nombre. Se trata de un tema muy fresco, muy, pero que muy Pat Metheny. Pequeña big band con acordeón, guitarra, bajo, batería, teclados, saxo tenor, trombón y trompeta/fliscorno (los va alternando a lo largo del tema). Una primera variación de acordeón, seguida de una segunda a la guitarra por Jean-Marie Ecay (que curiosamente formó parte de Itoiz y la Orquesta Mondragón). Para finalizar, repetición del tema al completo. Sencillo pero interesante.

Tema: "Les Couleurs d'Ici"

Álbum: "Les Couleurs d'Ici" (1998)

Marc Berthoumieux - acordeón
Jean-Marie Ecay - guitarra
Jean-Marie Ecay Groupe

El jazz en la animación 3D

Dado el éxito que tuvo uno de los post anteriores, relacionado con el jazz y los dibujos animados, hoy vamos a dedicar una segunda parte a los films de animación. No conocía la película Monsters SA de Pixar (2001), y me llevé una sorpresa al escuchar la banda sonora. La intro es espectacular, divertida y de calidad.

Su compositor es Randy Newman, un habitual de las bandas sonoras, y en especial de las de Pixar, de las cuales se ha encargado en varias ocasiones. La que compuso para Monsters SA tiene una influencia jazz muy marcada. Como anécdota, decir que antes de conseguir su primer Oscar, fue nominado nada más y nada menos que 15 veces. Finalmente fue compensado y recibió el premio a la mejor canción original en los Oscars de 2002 con el tema "If I Didn't Have You", precisamente de la BSO de Monsters SA (el premio de ese año a la mejor BSO se lo llevó "El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo" de Howard Shore, que no está mal, pero en mi opinión no aporta gran cosa "al juego creativo"). Este mismo año 2011 ha conseguido su segundo Oscar, también a la mejor canción original con "We Belong Together" de la BSO de Toy Story 3 (en este caso sin relación con el jazz).

Hoy vamos a escuchar 2 temas de la película Monsters SA: la intro y el tema final galardonado "If I Didn't Have You". En ambos casos se trata de un jazz muy clásico de big band de preguerra, muy pegadizos y con una orquestación muy cuidada.

Tema: Intro (Randy Newman)

BSO: Monsters Inc (2001)

Una verdadera pequeña joya de minuto y medio de duración (incluso mejor que el tema galardonado), con una línea de bajo excepcional y con mucho swing (se trata de un quick-step). El tema A lo introduce el saxo soprano, con repetición de trombón. Un nuevo tema B con saxo y trombón a la limón con repetición de tema A. Una variaciones muy breves de saxo, trombón y piano y finaliza de nuevo con repetición al completo del tema principal. Perfecto para una película de animación, tanto para pequeños como mayores.

Tema: "If I Didn't Have You" (Randy Newman)

BSO: Monsters Inc (2001)

En este caso la pieza es un poco más lenta, un slow-fox de libro, con un carácter más tierno y nostálgico y cuyo tema principal está muy relacionado con la intro (recuerda el inicio y cierra la película). De estructura más sencilla, repite el tema varias veces con ligeras modificaciones. Final a lo grande con la big band a todo trapo.

NOTA: como dato anecdótico, sabed que este mismo compositor es el autor del famosísimo tema "You can leave your hat on", interpretado por Joe Cocker en la película "Nueve semanas y media". Hay que reconocer que le pega a todos los palos.

Miles Davis: segundo quinteto clásico

Probablemente Miles Davis sea el músico que más entradas tenga en este blog. No ha sido algo premeditado: ha surgido así, sin más. Hoy vamos a hablar de él una vez más, aunque sólo sea para conmemorar el vigésimo aniversario de su muerte y también, de paso, introducir algún tema de su segundo quinteto clásico.

¿Y por qué de su segundo quinteto? Este verano nos han visitado dos de los integrantes de ese grupo mítico, en el festival de Vitoria-Gasteiz: Herbie Hancock (71 años, y del que ya tenemos algunos posts) y Wayne Shorter (78 años, también posteado varias veces), acompañado de otro de los "herederos" de Miles, de otra generación, Marcus Miller (52 años), en una gira europea denominada "Tribute to Miles" y que sólo ha tenido 9 repeticiones.

Elegir un tema de esta etapa de Miles no es fácil, dentro del objetivo de este blog, que está pensado básicamente para introducir en el jazz a los no iniciados (y que no salgan despavoridos...). Fue un grupo de gran influencia en el desarrollo del jazz moderno, sobre todo tal y como lo conocemos hoy en día. No es be-bop, no es hard-bop ni tampoco es free-jazz. Se trata de una evolución del jazz modal que Miles mismo inicio en 1959 (y que ya comentamos anteriormente en otro post) hacia otros derroteros aún más arriesgados, dando mayor libertad a cada uno de los integrantes del grupo, pero sin que la cosa se desmadre (no llegamos a la atonalidad del free-jazz, aunque nos quedamos cerca). Es lo que él mismo denominó "controlled freedom", en el sentido de libertad, pero bajo control. La música fluye, los fraseos empiezan a difuminarse hasta casi desaparecer, pero todo perfectamente integrado en el grupo, siempre rozando los límites de lo "ortodoxo". Los álbumes más representativos de este momento son "Miles Smiles", "Sorcerer", "Nefertiti" y "Water Babies".

Hoy vamos a elegir uno de sus temas más "contenidos" de esta etapa, extraído de su álbum "E.S.P." (1965, iniciales de "Extra Sensory Perception"), "Eighty-One" compuesto por Ron Carter (el bajista) y Miles Davis. Se trata de un tema fácilmente reconocible con un ligero toque "blues" que se deja sentir en todo momento. Tema del grupo al completo, con primera variación de Davis a la trompeta, con unos buenos sobreagudos y hacia la mitad, con cambio de ritmo a slow-fox. Le sigue Shorter en un estilo más "free". En tercer lugar aparece Hancock con una breve variación bastante sencilla y para finalizar, el grupo al completo repite el tema principal.

Tema: "Eighty-One" (1965)
Álbum: E.S.P. (1965)

Miles Davis - trompeta
Wayne Shorter - saxo tenor
Herbie Hancock - piano
Ron Carter - contrabajo
Tony Williams - percusión

Bill Evans: el gran maestro

Su influencia ha sido clave en las carreras de los pianistas de jazz más importantes de los últimos años (Chick Corea, Keith Jarrett, Herbie Hancock). Pianista de corte clásico, de gran inspiración, introspectivo y de una pureza impecable en la ejecución. Este verano seguí la recomendación de un disco poco conocido de Bill Evans y la verdad es que descubrí una pequeña joya. Es de esos discos de jazz que te recuerdan una noche de verano calurosa, escuchando apaciblemente un concierto con una cerveza en la mano. Se trata del álbum "I will say goodbye", grabado en 1977.

Todo el disco completo es una delicia, pero el primer corte es espectacular: "I will say goodbye", una balada compuesta por Michel Legrand. Intro de piano solo y variaciones con el trio al completo. Bajo rotundo de Eddie Gómez. Corto pero perfecto; ¿para qué hace falta más, si así de sencillo es una maravilla? De hecho, Bill Evans ganó un Grammy en 1981 por su interpretación en este disco, a título póstumo.


Tema: "I will say goodbye", Michel Legrand
Álbum: I will say goodbye (1977)

Bill Evans – piano
Eddie Gomez – contrabajo
Eliot Zigmund – percusión

Parecidos asombrosos

Escuchando un día un disco de un grupo japonés de jazz (que no recuerdo bien si en su día me lo grabó Aitor; volveremos sobre este disco en otro post), especializado en realizar versiones de temas clásicos, me di cuenta del parecido asombroso que existe entre el segundo movimiento del sexteto para cuerda nº 1 de Brahms y el standard de jazz "My funny Valentine", uno de los más populares del jazz.

El tema no es exactamente igual en ambos, pero coinciden un montón de notas. ¿Se trata de un plagio encubierto?

El tema "My funny Valentine" formó parte del musical de Broadway "Babes in Arms" (1937) y fue compuesto por Richard Rodgers, convirtiéndose rápidamente en uno de los standards más repetidos de la historia del jazz. ¿Se aprovechó Rodgers de la obra de Brahms, creada en 1860? Me queda la duda: ¿qué opináis vosotros?

Para compararlos, os pongo por un lado la versión de Art Blakey del tema de Rodgers y por otro, el original de Brahms. Esta versión de Art Blakey me gusta especialmente, con la presencia de Wynton Marsalis a la trompeta introduciendo el tema (comienza a los 48 segundos). Interpretación perfecta, con una técnica fuera de serie.

Tema: "My funny Valentine" (1937)
Álbum: Art Blakey & The Jazz Messengers. Live at Fort Lauderdale (1980), Bubba’s Jazz Restaurant

Wynton Marsalis – trompeta
Art Blakey – percusión
Jimmy Williams – piano
Charles Fambrough – contrabajo

Tema: Sexteto para cuerda nº 1 en Sib mayor Op.18 - 2º movimiento, Andante ma moderato (1860)
Autor: Johannes Brahms

El jazz y los dibujos animados

El jazz ha estado siempre muy presente en las bandas sonoras de los dibujos animados norteamericanos. Probablemente nuestra infancia tuvo un primer contacto con el jazz viendo los teleñecos, los Picapiedra o dibujos por el estilo. Hoy voy a recordar 2 intros a las que tengo mucho cariño: Don Gato y Los Teleñecos

Siempre que pienso en Don Gato, me viene siempre la misma imagen a mi cabeza: ese callejón oscuro, con muchos contenedores metálicos de basura, bajo una farola con luz intermitente, jazz de fondo y Don Gato... Corto pero perfecto.

Tema: "Top Cat Theme" (1962)
Autor: Hoyt Curtin (compositor de Hanna-Barbera, con muchos otros temas míticos como The Flintstones, Scooby-Doo, etc...)

¡Qué decir de los Teleñecos! Lo mejor de mi niñez: Gustavo, la cerdita Peggy, Gonzo, Animal, los viejos gruñones Walford & Statler, etc... A continuación la intro del show de 1976, muy de Broadway.

Tema: "The Muppet Show Theme" (1976)
Autor: Samuel H. Pottle